陳凱歌拍了一半時代，拍了一半伶人，拍了一半梅蘭芳

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《梅蘭芳》不是《霸王別姬》。

黎明更不是張國榮。

通常的影評對這部電影的都有著半部的評價，很多人都覺得從《無極》之後陳凱歌成了一個只能拍半部好電影的導演，都期待著下一個《霸王別姬》的誕生。

我們從電影結構上看，的確，電影在前半段，與燕十三的交手打擂臺時達到了一種情節上的結束和高潮，從節奏的剪輯上看也是這樣的。但是在觀影的時候之所以會產生這樣的一種觀賞感，一部分是電影節奏的帶動，還有一種原因在於之前的舊時代的一部分更像是故事片的敘述。我們不瞭解梅蘭芳本人的過去，而在這裡一部分好像感覺到了《霸王別姬》的懷舊感，一部分嘗試到了梅蘭芳少年的新鮮感。還有一種感覺是後半段民國時期的鮮明，色調的改變場景調度都沒有之前的那麼嚴謹講究，

更加突出了前半部分的故事性，也就更好看。後半部分也因此被嘲諷，鄙夷。

影片從開頭告訴我們一個背景，但在前半段卻只口沒提，而是用了很多經典妙語來烘托那種京戲的角兒的范兒，卻並沒有烘托梅蘭芳本身。其實導演要想把開始的梅蘭芳大伯說的那兩句話，

和燕十三臨終說的那兩句話表現清楚真的很難，哪怕就是一個杜撰的劇本與人物也很難在同樣的情節下表現好伶人與社會的那種關係，更不說想完整的解決大伯和燕十三的心願。可在一個半紀錄色彩的故事中，能夠設計用來擺脫那種紙枷鎖的情節真的屈指可數，而且大多都是以臺詞烘托內涵，從情節和表現上較少。

《霸王別姬》作為一個完全電影劇本，他可以隨心所欲的表達自己的訴說。當陳凱歌開始為《梅蘭芳》的劇本版權奔波時，就已經註定它無法企及《霸王別姬》的高度。觀眾想看的是一個故事，導演想拍的是一個人物時代，製片方其實更多的想把他作為傳統文化藝術的宣傳片。從梅葆玖想要還原梅蘭芳先生開始，我們就不能只採用故事片的審美來關注本片。在大多數人眼裡，或者在梅葆玖、在大多票友眼裡，用梅蘭芳作為電影名稱，就只能把鏡頭鎖定在梅蘭芳身上，而不是導演想要期盼的：中國伶人。

從這種角度，

我們可以稍稍體諒導演。

其實從一開始，陳凱歌導演就有點混淆，電影劇本一開始並沒有加入孟小白這個人物。但陳凱歌導演考慮到尊重史實，還是把孟小白這個與梅蘭芳有著巨大關聯的人物加了進去，導致電影後期的人物關係其實不好看。外加花了很大的筆墨去描述那種懵懂的愛情，不是為了描繪愛情，而是為了描繪史實，反而失了真，使得影片在紀錄與故事之間徘徊，抽插。好像杜琪峰導演說《黑社會》，如果評委能看懂一點裡面的關係，說不定就得獎了。坎城評委對於東方人本身不熟，對東方社會的人物構成就更加不明所以。

我不確定陳凱歌導演是不是因為描寫了男女愛情，而不是男男，使得一開始的那種懵懂和微妙，慢慢的被紀錄把美感打破，成了粗俗的婚外情，達不到《一代宗師》裡章子怡的表現出的那種微妙的感覺。顯然這種小資的男女情調不是陳凱歌導演所具備的，而朦朧的男男情調陳凱歌導演拍的很有魄力。

從電影手法上，我很喜歡其中對燕十三所在的那個房間拍攝的鏡頭。其實前半部分舊時代有很多這樣的可以去追求的長鏡頭，但導演並沒有這麼做，其中有一些剪切可能是技術問題，比如鏡子之類的道具實在無法回避。可是如果在今天真的可以將電影拍攝的手法，藝術，融入進京劇的唯美舞姿手勢，我相信應該也會很完美的。

對於角色，梅蘭芳人物在開場便定了調，那種溫婉、小怯懦一貫而終，無論是餘少群還是黎明都延續了下來。這種傳承是紀錄的勝利，是劇情藝術的悲哀。正因為如此，我們無法將黎明與張國榮進行任何的比較。

張國榮可以在導演的認可下，用盡感官去演戲，張國榮在燒自己戲服的戲，或者隔著輕紗屏風看人、聽信、抽鴉片來表現人物，表現自己。或者說在電影的後期，觀眾和張國榮都不在乎程蝶衣是誰，我們只需要知道螢幕裡的那個不知性別的人叫作張國榮便好了。但黎明不行，他的一舉一動，一板一眼都有一個原型在他身後。

張國榮的程蝶衣或許說就是他自己，說是演戲，不如說是在表現自己，黎明則是在真正的表演，如果兩人拿到影帝。張國榮該是活的精彩，黎明則是演的精彩。

影片後半部分出現了開場和前半部分鋪墊出的訴求，憑藉的卻是臺詞，是對白引出的，而不是表演，無法演。因為梅蘭芳本身是否具備這樣的訴求，導演不確定。而導演確定想要表現得亮點卻又太多：伶人、紙枷鎖、京戲、梅蘭芳、孟小白的愛、邱如白的情，和這段歷史的本身。陳凱歌導演就又成了那個《道士下山》的導演，從文字中找問題，然後拍成幻燈片，一張一張的給觀眾看，看著觀眾喝雞湯。可能在《梅蘭芳》導演電影中上面那些訴求都是一體的。可就像影評人說的那樣，拍了一半。剩下一半，得靠觀眾腦補。